10 obras maestras de David Bowie, el Duque Blanco del rock

Qué difícil es resumir una carrera tan dilatada y que roza con la perfección en solo diez canciones. El debate por la elección del mejor tema sería infinito y si en caso se llegará a una conclusión, esa sería -estoy seguro- en que todos están de acuerdo en que están en desacuerdo. Y es que la magistral obra de David Bowie (8 de enero de 1947, Brixton, Londres), que incluye más de una veintena de discos de estudio y diversas vertientes conceptuales en cuanto a imagen, personalidad y estilo musical, lo ha convertido en una de las figuras más importantes del firmamento roqueril y, por qué no decirlo, de la música en todos sus géneros. Innovador, vanguardista, polémico, transgresor y dueño de una genialidad que hacer pensar en él como un ser venido de otra galaxia, Bowie reúne todos los requisitos propios de una estrella inalcanzable y que, desde mi punto de vista, dejó como legado en las siguientes canciones. Feliz Cumpleaños, querido Camaleón... 

1. STARMAN (1972)

2. ABSOLUTE BEGGINERS (1986)

3. SPACE ODDITY (1969)

4. HEROES (1977)

5. ASHES TO ASHES (1980)

6. CAT PEOPLE (1982)

7. QUEEN BITCH (1971)

8. BE MY WIFE (1977)

9. LET'S DANCE (1983)

10. GOLDEN YEARS (1975)

BONUS TRACK: 

UNDER PRESSURE (1981- Con Queen)

"Under Pressure"

La historia del glam metal ochentero en 16 portadas

POISON 

Ataviados de licra y brazaletes, litros de laca en el cabello, lápiz de labios y líricas propias del metal decoradas con toque pop, Poison ha logrado posicionarse entre las bandas que más ha vendido con unos 50 millones de álbumes solo en Estados Unidos. Las letras de Bret Michaels sobre sexo, drogas y rock n’ roll calaron hondo en las angustiadas y calientes adolescentes de los ochenta. En 1986, grabaron su primer álbum “Look What the Cat Dragged In”, que llegó a vender más de 4.3 millones de copias en todo el mundo. Su fama decayó en los noventa debido a broncas internas y abuso de drogas y alcohol, pero en los 2000 la recuperaron gracias a la exposición mediática de su líder y vocalista.

HANOI ROCKS 

Banda procedente de Finlandia cuya época más exitosa la disfrutó a principios de la década del ochenta. Luego de grabar su álbum “Back to Mystery City” (1983) la tragedia golpeó al combo en diciembre de ese mismo año. El baterista Nicholas 'Razzle' Dingley murió en un accidente de tráfico, siendo el conductor del automóvil Vince Neil, cantante de Mötley Crüe. El 2002 deciden juntarse nuevamente para realizar algunas presentaciones, pero las ganas solo les duraron hasta el 2009, en que se disuelven definitivamente.

CINDERELLA 

Más que incluirlos en el circuito del glam, algunos suelen etiquetar a Cinderella como pieza clave del hair metal, por la ausencia de maquillaje profuso en sus rostros. “Night Songs”, su álbum debut de 1986, obtuvo excelentes ventas gracias a la buena combinación del hit "Nobody's Fool", un video atractivo y la gira promocional al lado de los ya consagrados Bon Jovi. El grupo continúa vigente hasta hoy y realiza conciertos en donde hace un repaso de sus catorce álbumes.

MÖTLEY CRÜE 

Segundo álbum de los originarios de Los Ángeles lanzado el 16 de septiembre de 1983. Junto con su predecesor ”Too Fast for Love” es considerado uno de los discos más influyentes del heavy metal 'glammer' de los ochenta. Sexo, satanismo, violencia y rebelión juvenil se agolpaban en las letras de sus canciones para tormento de los padres de familia y los sectores más conservadores de la sociedad.  

AUTOGRAPH 

Surgidos en 1983 en los suburbios de los Ángeles. El mayor éxito de Autograph fue el pegajoso “Turn up the Radio”, pista de su álbum debut “Sign in Please” (1984), el cual obtuvo la certificación de Oro por las 500.000 copias vendidas. Su disco “Loud and Clear” fue lanzado en 1987, pero tuvo tan poca acogida -en parte, debido a la incompetencia de su disquera- que precipitó la separación del grupo.

POISON

Segundo disco larga duración que incluye los megahits "Every Rose has its thorn", "Nothin' but a good time", "Fallen Angel" y el cover "Your Mama Don't Dance". Aunque el grupo apostó por continuar la senda de su primer trabajo, “Open…” logró capturar la esencia del glam metal con duros riffs al más puro estilo de KISS, la moda exagerada del Sunset Trip de Los Ángeles y las interminables farras que luego traerían consecuencias fatales a su vocalista. La cubierta muestra a la modelo Bambi vestida de diablo y extrayendo una monstruosa lengua. La presión hizo que el sello oscureciera un tanto la imagen para el CD remasterizado del 2006.

BON JOVI

Agrupación más tirada al hair que al glam metal. Cinco chicos melenudos pertenecientes a la clase obrera de New Jersey se juntaron 1983 para intentar vivir de la música, pero lo único que consiguieron en los posteriores 29 años fue traspasar los límites de sus ambiciones y convertirse en uno de los combos más vendedores de todos los tiempos. Un año después de su fundación, su single "Runaway" llegó a las Top 40 y desde ahí no pararon de cosechar éxitos, con algunos baches creativos, es cierto, pero con una enorme legión de fieles cautivos en todo el orbe. 

BRITNY FOX

Banda engendrada en 1985 por Dean Davidson junto a los exmiembros de Cinderella Michael Kelly Smith y Tony "Stix" Destra, más el bajista Billy Childs. En 1988 grabaron un álbum homónimo que vendió más de 650.000 copias, con el cual ganaron el premio de la revista Metal Edge Magazine's como mejor banda nueva. Cuentan en su haber con siete álbumes.

DOKKEN

Aparecidos a finales de los setenta en Los Ángeles, California. Sus álbumes "Tooth and Nail" (1984) y "Under Lock and Key" (1985) son considerados clásicos del metal. Aún hoy siguen haciendo delirar a sus fans con sus míticos riffs, aunque ya con otros integrantes, excepto sus fundadores Don Dokken y Mick Brown.

EUROPE

De las fríos bosques nórdicos surgió en 1979 una agrupación a la que el vocalista Joey Tempest y el guitarrista John Norum llamaron Force y que posteriormente rebautizarían como Europe. La banda alcanzó el éxito internacional con su tercer álbum “The Final Countdown” (1986). Tras un alejamiento en los noventa volvieron en el 2003, aunque con una imagen más refinada y distanciada del glam (o del hair metal si gustan). 

HELIX 

Formados en Ontario, Canadá, en 1974, Helix es conocido por su single “Rock You” de su álbum de 1984 “Walkin' the Razor's Edge”. El grupo formó parte de la primera oleada de glam metal junto a bandas como Quiet Riot, Ratt y Twisted Sister, por lo que su música estuvo un poco más cerca al metal pesado tradicional.

QUIET RIOT

Grupo originado en Los Ángeles a mediados de los setenta por Randy Rhoads, quien luego fuera guitarrista de Ozzy Osbourne. Trabajaron durante casi 8 años en una relativa oscuridad hasta que la suerte tocó sus puertas con su tercer álbum “Metal Health” (1983). “Quiet Riot II” es su segundo álbum pero que, al igual que el primero de titulo homónimo del grupo, solo fue lanzado en Japón.

RATT

Formados en Los Ángeles en 1981, a iniciativa de Stephen Pearcy. Su música era una combinación notable de Led Zeppelin con Aerosmith. Sus hits más populares son "Round and Round", "Wanted Man ", "Lay it Down ", "You' re in Love ", "Back for More ", entre otros. Tras varias rupturas, el grupo volvió a reunirse en 1996, permaneciendo vigentes hasta el 2010.

TWISTED SISTER

“Stay Hungry” (1984) es una de las obras más representativas y comerciales de la maquinaria glam ochentera. En opinión de muchos, contiene el hit más escuchado y vociferado de ese año: “We’re not gonna take it”, seguido -aunque con menor impacto- por “I Wanna Rock”. Ambos hits saturaron hasta la médula las radioemisoras y destrozaron los televisores a través de la, en ese entonces, efervescente cadena de videos MTV. Dee Snider era casi un apóstol de la rebeldía y estandarte de la lucha contra la censura.

STRYPER

Stryper o Salvation Through Redemption Yielding Peace, Encouragement, (and) Righteousness -Salvación a través de la redención (que) produce paz, ánimo (y) rectitud- tiene una buena legión de fans en todo el planeta, pese a la contradicción entre el vínculo del heavy metal con el satanismo y las creencias cristianas. “Soldiers Under Command” (1985) fue su segundo disco y el primero del denominado metal cristiano en alcanzar el estatus de Disco de Oro con más de un millón de copias vendidas. Dos datos curiosos: 1. Originalmente el álbum fue lanzado en un vinilo de color blanco; 2. Es uno de los de más larga duración de todos sus discos (45:02 minutos).

W.A.S.P. 

“Inside Electric Circus” se exhibió por primera vez en las vitrinas una calurosa mañana de julio de 1986. A pesar de que sigue siendo despreciada por el propio Blackie Lawless -guitarrista del grupo- como “la producción más débil en toda la carrera de la banda”, igual les dio el empujón necesario para consolidarse en el mercado europeo. La estética y puesta en escena de W.A.S.P.eran abiertamente provocadoras y, si ningún asco, hacían referencia explícita al sexo crudo y a la violencia máxima. Con los años WASP sufrió cambios en su formación y en su estilo. 

Abbey Road de los Beatles: el vinilo más vendido del 2011

El último álbum que grabaron los Beatles en 1969, "Abbey Road", se convirtió por tercer año consecutivo en el disco de vinilo más vendido en Estados Unidos, de acuerdo a datos de ventas consignados por el sistema Nielsen SoundScan.

La placa vendió 41.000 copias en 2011, lo que significó un importante incremento si tenemos en cuenta las 35.000 vendidas en el 2010 y las 34.800 en el 2009.

De acuerdo con el sitio web de la revista Rolling Stone, el incremento gradual en las ventas de vinilos de "Abbey Road" en los últimos años refleja la tendencia a la subida de ventas en general de estos discos, aunque ese crecimiento fue sólo del 3,9% en 2011.

La siguiente es la lista de los Top 10 en ventas de vinilos del 2011:

1. The Beatles - Abbey Road (41,000)

2. Fleet Foxes - Helplessness Blues (29,700)

3. Bon Iver - Bon Iver (27,200)

4. Mumford & Sons - Sigh No More (26,800)

5. Radiohead - The King of Limbs (20,800)

6. Adele - 21 (16,500)

7. Bon Iver - For Emma, Forever Ago (16,200)

8. Wilco - The Whole Love (14,900)

9. The Black Keys - Brothers (14,200)

10. The Black Keys - El Camino (13,800)

(Con información de Terra.com.pe)

...y aquí te dejo con el audio completo del que en mi opinión es el mejor disco de los Cuatro Grandes de Liverpool.

Phil Lynott, Thin Lizzy y el primer himno del rock irlandés (homenaje al chico malo)

La noche del 25 de diciembre de 1985, Phil Lynott fue hospitalizado de emergencia debido una sobredosis de heroína. Casi diez días después, el 4 de enero de 1986, moría por un fallo del corazón y una neumonía. Tenía apenas 36 años de edad, mucho talento aún por ofrecer al mundo y un legado de imponentes canciones como cerebro de la banda Thin Lizzy.

Lynott dio su primer grito en West Bromwich, Reino Unido. Su padre fue un guyanés que lo abandonó cuando apenas tenía tres semanas de nacido, por eso él prefirió utilizar el apellido de su madre, de origen irlandés, Philomena Lynott, como distintivo en el ambiente artístico. La infancia de Lynott estuvo marcada por el alejamiento paterno y, posteriormente, el materno, pues si bien pasó sus primeros años en Moss Side, Manchester, se marchó a vivir con su abuela en Dublín, Irlanda.

Los siguientes gritos que daría Phil -esta vez acompañados ya de fina instrumentación- los dio a mediados de los sesenta con su primera banda The Black Eagles. Por ese tiempo conoció al batero Brian Downey y juntos formaron Thin Lizzy en 1969. El grupo quedaría conformado de la siguiente manera: Phil Lynott como cantante y bajista, Brian Downey como dueño de las baquetas, Eric Bell en la guitarra y Eric Wrixon en el órgano. Wrixon se alejaría al año siguiente, siendo reemplazado por Gary Moore, antiguo amigo de Phil en la banda Skid Row. 

Pese al lanzamiento de cuatro buenos álbumes y el exitoso single "Whisky in the Jar" (1973), la banda recién terminó de cuajar gracias a la inclusión de Scott Gorham y Brian Robertson, quienes le dieron el sonido guitarrero que los caracterizaría de ahí en adelante. Fue así como Phil y compañía encendieron a las masas en 1975 con el álbum "Fighting", que obtuvo aplausos de la crítica, y mucho más aún con el siguiente, "Jailbreak", en especial por una canción que se convertiría en el mayor éxito de la banda y un himno rockero de todos los tiempos: "The boys are back in town".

Los chicos malos volvieron para quedarse

La historia dice que fue el guitarrista Rory Gallagher quien internacionalizó la música irlandesa moderna, aunque con un estilo que tendía a no despegarse de los finos pero tibios toques blueseros. Tuvieron que asomarse Lynott y Thin Lizzy para demostrar que Irlanda era capaz de crear su propio sello rockanrollero y de alto voltaje. 

El arrebato armónico de las electrizantes y potentes cuerdas de Gorham y Robertson, en combinación con el melódico bajo de Phil Lynott, dieron vida a "The boys are back in town; una oda de 4 minutos y medio a los muchachos faltosos, esos que viven y se comportan a su manera sin nada que los detenga o prohíba. El tema se coló en las listas británicas el 29 de mayo de 1976 y se encaminó hacia su máxima posición en el puesto ocho. Una verdadera injusticia que no haya alcanzado la cima.

Sobre la naturaleza de la canción, si en algo estoy de acuerdo con muchos entendidos es que reproduce una atmósfera roquera creada por ruidosas motocicletas. Si cierras los ojos y la escuchas a volumen máximo es probable que percibamos a la banda sonora de un grupo jóvenes capaces de comerse al mundo con cáscara y todo. El estribillo -la frase del título repetida una y otra vez- y el riff son los elementos que convierten a esta canción en una pieza brillante de rock n' roll. 

A partir de su aparición y lanzamiento, todo lo demás llegó por sí solo. La revista Rolling Stone elogió a Phil Lynott por su forma de interpretar la canción y dijo, además, que "el doble de guitarra de Scott Gorham y Brian Robertson, fue crucial para el éxito de la canción". Hoy, "The boys..." se puede escuchar en la mayoría de los partidos de Rugby de Irlanda, casi como un himno nacional. 

Phil no lo sabía, pero cuando compuso esta canción, inconscientemente buscó homenajearse a sí mismo. Más allá de ser un excelente músico, compositor e intérprete, Lynott era un rebelde con causa, un chico malo y terco que hizo lo que siempre se le antojo hacer, incluso morir a su estilo. Como aquellos motociclistas que desafían al vértigo y a la velocidad sin temor a caer y poner fin a su vidas, para solo hallar la gloria en ese segundo precioso que se va con el viento.

10 canciones alucinantes sobre drogas y alcohol

CASEY JONES (Grateful Dead)
Como un buen poeta que es capaz de eternizar su inspiración en la suave superficie de una servilleta, el miembro de la banda Robert Hunter contó que el tema nació a partir de una frase suelta que escribió sin intenciones en convertirla en canción: "Drivin' that train, high on cocaine, Casey Jones you'd better watch your speed" (Manejando ese tren, drogado con cocaína, Casey Jones debes cuidar tu velocidad". Cuando la banda de San Francisco decidió grabarla se barajaron varias expresiones para modificarla, pues en ese entonces (y hoy también), aludir directamente a las drogas podría provocar un estropicio en el andar del grupo. Finalmente, tras vanos intentos, la transgresión se impuso, la frase original quedó y fue registrada en el disco "Workingman Dead", de 1970.

DO YOU FEEL LIKE WE DO? (Peter Frampton)
Notable y kilométrica pista del famoso disco "Frampton Comes Alive!", pubicado en 1976, y que fue registrado durante un concierto en la Universidad Estatal de Nueva York. Si bien al inicio la canción arranca con una referencia a un despertar "resacoso" (Woke up this morning with a wine glass in my hand), según el mismo Peter, cuando solía cantarla en vivo y frente a una abigarrada y encendida multitud, el mensaje podía ser interpretado de cualquier manera, como abrir los ojos después de un noche "blanca y alucinada".

SHE SAID, SHE SAID (The Beatles)
Tema del disco bisagra de los Beatles, "Revolver", de 1966. Fue escrita por John Lennon e inspirada en los comentarios del actor Peter Fonda durante un "viaje" con LSD en 1965. La jornada "viajera" ocurrió en Los Ángeles, durante un pequeño descanso de la gira norteamericana de los "Fab 4". En un instante de la "ruta", Fonda se acercó a Lennon y le susurró al oído: "I know what it's like to be dead", frase que describía un "viaje" en ácido. A todos les pareció incómoda la presencia de Peter en la reunión, cabe precisar que él era aún un desconocido en el ambiente del espectáculo pues no había protagonizado el mítico filme "Easy Rider". Un año después, Lennon usó la referida frase para escribir la canción, pero se cuidó en ponerle "ella" en lugar de "él".

KATMANDU (Bob Seger)
Incluido en el álbum "Beautiful Loser", de 1975, y luego en el disco "Live Bullet" editado al año siguiente. En sus propias palabras, Seger explica el significado de la canción: "Katmandu está en Nepal. Es una ciudad al pie del Himalaya. Es la ciudad más alta -sabia elevación- del mundo. Ellos fuman hashish. Es legal allá -uno de los lugares más olvidados por Dios en la Tierra". 

MISTY MOUNTAIN HOP (Led Zeppelin)
Lado B del architocado clásico zeppeliano "Black Dog" y pista del célebre álbum "Led Zeppelin IV". Fue compuesta por Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones en Headley Grange, una mansión en Hampshire que contaba con un estudio de grabación, y lugar en donde el grupo vivía a veces. Sobre la canción, Plant dijo lo siguiente: "Se trata de un grupo de hippies que son arrestados...también de problemas que pueden aparecer cuando simplemente la gente toma un paseo en un parque cualquier tarde soleada. En Inglaterra es comprensible, porque donde quieras que vayas a divertirte y pasarla bien el 'Gran Hermano' nunca está lejos".

BACK IN  THE SADDLE (Aerosmith)
Primer single del álbum "Rocks" de 1976. Escrito por Steven Tyler y Joe Perry, este último dice lo siguiente sobre la canción: "Andaba muy metido en la heroína cuando escribí 'Back in the Saddle'. Ese riff flotaba a través de mi. Las drogas pueden ser un camino corto a la creatividad. A través de la historia, médicos sanadores y sacerdotes de las culturas primitivas usaban drogas para llegar al espíritu. Pregúntenle a cualquier escritor. Llegan a ese lugar donde sus dedos parecen volar sobre el teclado, tú sabes que las cosas fluyen a través de uno. Pero para muchos escritores, llegar a ese lugar sin inhibiciones suele ser dificultoso. Así que su camino más corto suele ser una cerveza. Y eso funciona por un momento. Pero luego llegas a un punto en el que requieres dos y luego tres cervezas para llegar a ese sitio, y luego la cosa no funciona más y el doctor te dirá: 'Si sigues tomando, tu nariz se volverá en una coliflor'. Pero con todas esas drogas tú estallas por diferentes razones. Con heroína, tu cuerpo se hunde. Después de unos minutos, todo lo que importa es obtener ese zumbido, entonces ya no te preocupa coger una guitarra. Así que acaba bloqueando tu creatividad en lugar de ayudarte".  

COMFORTABLY NUMB (Pink Floyd)
Sexta pista del célebre álbum "The Wall". La música la hizo David Gilmour para su primer álbum solista, pero Roger Waters le puso la letra y algunos arreglos particulares que lo diferenciaron del demo original. El solo de guitarra de Gilmour está considerado como su mejor solo en Pink Floyd y uno de los mejores de guitarra de toda la historia. La letra contiene un diálogo entre un médico y Pink, el personaje "The Wall" (interpretado por la voz de Gilmour). El galeno llega para sacar a Pink de un estado cercano al coma, porque esa noche debe dar un show, pero el estado de Pink no es algo físico, por eso algunas preguntas del médico suenan irónicas o sin sentido, y entonces ocurre una confrontación entre artista y médico. "'Confortablemente entumecido' es sobre esa confrontación porque los otros no están interesado en los problemas del artista. Todo lo que les interesa es cuanta gente estará en el show y en la cantidad de tickets que se venderán, así que el espectáculo debe seguir a cualquier costo. Yo personalmente he hecho conciertos cuando he estado muy deprimido y extremadamente enfermo", expresó Waters sobre la letra del tema.

WHO ARE YOU (The Who)
Cuando se lanzó el álbum del mismo título en octubre de 1978, el baterista Keith Moon ya había colapsado producto de su irrefrenable afición alcohólica. Pero Pete Townshend -el compositor del tema- también solía doblar el codo con  harta frecuencia, tanto que la letra empieza con un incidente que protagonizó en estado de ebriedad en la entrada del Soho y cuando un policía lo reconoció y le aconsejó que se marchara a su casa. "Recuerdo que cuando escribía canciones entre 1972 y 1979, vivía un periodo en el que solía emborracharme con frecuencia. No puedo recordar cuando grabé 'Who are you'. A ver, déjame pensar. Cuando hice el demo me sentía bien en mi estudio, pero estaba  ebrio cuando hice los coros y me gustó hacerlo, porque una buena cantidad de emoción vino con todo ello", relató Pete.

GOOD VIBRATIONS (Beach Boys)
Escrita por Brian Wilson y Mike Love, fue publicada como sencillo el 10 de octubre de 1966, tras lo cual se convirtió en todo un éxito tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Wilson la comenzó a desarrollar la noche del 17 de febrero de 1966, en Los Ángeles, para finalizar las primeras sesiones del mítico disco "Pet Sounds", sin embargo, decidió descartarla de la edición final del álbum. Sobre el tema, Brian cuenta: "Good Vibrations" iba a ser un resumen de mi visión musical, una convergencia harmónica de imaginación y talento, valores de producción y arte, composición y espiritualidad. Lo había escrito cinco meses antes e imaginé la magnífica producción tipo (Phil) Spector, mientras describía con entusiasmo un "viaje" con LSD. Instintivamente supe que estaba ante la canción correcta en el momento correcto. Glen Campbell, uno de los casi veinte músicos que tocó durante la grabación del tema exclamó: 'Guau, Brian! ¿Qué fumaste cuando escribiste esta canción?' Una mejor pregunta hubiera sido: '¿En qué estaba cayendo?'".

COCAINE (Eric Clapton)
Fue compuesta por J.J. Cale, e interpretada por Eric Clapton en su álbum "Slowhand" en 1977. A despecho de su nombre que sin duda provocó suspicacias y censuras, "Cocaine" es una canción que está en contra de las drogas, y no a favor. Clapton dijo una vez que es inútil escribir intencionadamente una canción que vaya en contra de las drogas y esperar a que la gente capte el significado. Por ello es mejor que lleve a la reflexión. Tras varios años, el guitarrista decidió añadir a la letra de la canción la frase: "that dirty cocaine" (cocaína sucia) en sus actuaciones en directo para destacar el mensaje de la canción en contra de las drogas. Además, Clapton donó una buena parte de sus fondos al Crossroads Centre, un centro donde ayudan a los drogadictos a luchar para dejar la droga y rehabilitarse.

Slash quiere fumar el porro de la paz con Axl Rose

El mítico guitarrista de la banda de hard rock Guns N' Roses, Slash, sorprendió en una entrevista para la revista Esquire al declarar su disposición de dejar atrás las diferencias que hasta hoy mantiene con Axl Rose, y volver a juntarse con la formación original en 2012, tras su disolución en 1994.

Según el músico, una de las razones sería el reconocimiento que tendrá la banda el próximo 14 de abril cuando ingrese al Salón de la Fama del Rock, junto a las bandas Red Hot Chili Peppers y Beastie Boys.

El guitarrista dijo que quiere dejar atrás la pelea que por años ha tenido con Axl Rose, el vocalista y actual dueño de los derechos de la banda. "El quiebre entre Axl y yo fue silencioso, pero hubo mucha atención en torno a él se convirtió en este monstruo que llevó a una enemistad que no era lo más importante para mí", dijo.

Slash agregó que está intentando de olvidar la pelea con Axl y que se siente orgulloso con los logros de la banda.

(con información de El Universal, Venezuela)