Los Beatles y otros homenajes del rock & pop a "Bésame Mucho"

A los 16 años y sin haber dado un beso aún (estamos en 1940), la mexicana Consuelo Velásquez escribió una romántica canción a la que tituló "Bésame mucho" cuya apasionada letra le ha permitido traspasar las fronteras del tiempo, el idioma y los géneros musicales.

El primero en grabarla fue el actor Emilio Tuero, en 1941, y su éxito fue tan arrollador que a partir de entonces un vendaval de artistas la han versionaron a su particular modo. Muy cerca de la tierra de Pancho Villa, al otro lado del Río Grande, el compositor y cantante norteamericano Sunny Skylar tradujo “Bésame mucho” al inglés, pero tuvo la genial idea de mantener el título en castellano.

A finales de 1943, el clarinetista y prestigioso líder de big bands Jimmy Dorsey amoldó la canción a su estilo y la llevó al número uno en las listas de Estados Unidos. Fue tal la batahola provocada por “Bésame Mucho” en la tierra del Tío Sam que muchas damas la adoptaron como su himno de amor, mientras esperaban ansiosamente que sus maridos regresaran de los campos de batalla durante la Segunda Guerra Mundial.

De ahí en adelante, solistas y bandas de todos los géneros y ritmos hicieron sus propias versiones, unas con más fortuna que otras. Andy Rusell grabó la canción al lado de la orquesta de George Siravo, logrando vender más de un millón de copias.  Xavier Cougat, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Ray Conniff y, más cercanos a estos tiempos, Diana Krall y Richard Clayderman, entre otros, también la hicieron suya.

Para no alejarnos del propósito de este blog, el rock, diremos que uno de los covers más sonados de "Bésame mucho" -y más lucrativos, dicho sea de paso- es el interpretado por los Beatles y que fue incluido en el "Anthology 1" (1995). Lo anecdótico es que los Fab Four la grabaron por primera vez en 1962 con el propósito de impresionar al sello discográfico Decca, pero fracasaron en su intento. La tocarían nuevamente en la audición para los estudios EMI (cuando finalmente ganaron el contrato de grabación) el 6 de junio de 1962. Años después, en 1969, la cantarían en el estudio de Apple y finalmente publicada en el film documental "Let it be".

Quién hubiera pensado que como producto de las alucinaciones románticas de una jovencita saldría uno los temas de amor más populares de todos los tiempos. Por algo, en 1999, “Bésame mucho” fue reconocida como la canción en idioma español más cantada y más grabada, fuera de los villancicos y canciones de cumpleaños.

A continuación te dejo con algunas versiones en clave rock y pop de este histórico tema.

The Beatles

Duncan Dhu

The Ventures (Haz click en la imagen y escucha la canción)

The Flamingos

Chris Isaak

The Rasmus

Los Pasteles Verdes

The Coasters

Zoé

BONUS TRACK

Fast Ball (incluyo a "The Way" debido a la similitud que tiene con la melodía del tema original de Consuelo Velázquez)

Un vistazo al New Wave a través de 30 pintorescas tapas de discos

Oh, No! It's Devo – Devo (1982)

In the Garden – Eurythmics (1981)

Mad About the Wrong Boy - The Attractions (1980) 

Playing With a Different Sex - Au Pairs (1981)

Mask - Bauhaus (1981)

Happy Families  Blancmange (1982)

See Jungle! See Jungle! - Bow Wow Wow (1981)

Special Beat Service - The English Beat (1982)

Beauty and the Beat - Go-Go's (1981)

Cut - Golden Earring (1982)

Lord Upminster - Ian Dury (1981)

I'm the Man - Joe Jackson  (1979)

Doopelganger - Kid Creole and the Coconuts (1983)  

Metro Music - Martha and the Muffins (1980)

My Perfect Cousin (single) - The Undertones (1980) 

Pure Pop For Now People - Nick Lowe (1978) 

Hammer on a Drum - Payolas (1983)

Peter Gabriel II - Peter Gabriel (1978)

Nuclear Device (The Wizard of Aus) (single) - The Stranglers (1979)

Of Skins and Heart - The Church (1981)

The Sound of Sunbathing - The Sinceros (1970)

Three Imaginary Boys - The Cure (1979)

Motels - The Motels (1979)

New Clear Days - The Vapors (1980)

I Could Rule the World If I Could Only Get the Parts - Waitresses (1982)

Tin Drum - Japan (1981)

Over my Head - Toni Basil (1983)

Signing Off - UB40 (1980)

Born To Laugh Tornadoes  - Was (Not Was) (1983)

Go 2 - XTC (1978)

Una canción original y tres versiones para una sola dama: "Gloria"

VAN MORRISON
El multinstrumentista y compositor irlandés la compuso y moldeó a su gusto cuando formaba parte del grupo de R&B Belfast Them. La influencia del blues se percibe desde su inicio pausado y a medida que transcurre el tema en tanto va experimentando una aceleración progresiva. El histórico fraseo de guitarra le imprimió a la canción un carácter sexual que nunca pasó desapercibido en las versiones posteriores, por supuesto que cada uno en su particular estilo. Dato a tener en cuenta: la versión de Them ocupó la cara B en el Reino Unido, mientras que en Estados Unidos se convirtió en el tema fetiche de los grupos de garage como por ejemplo The Gants, que fue una de los primeras en coverearla.

THE SHADOWS OF KNIGHT

De los suburbios de Chicago surgió esta banda cuyo estilo evidenciaba ventarrones de blues británico. Sin embargo, en mi opinión, el resultado no me convence del todo en relación al tema original, aunque al grupo no le fue del todo mal pues logró posicionarse en el número 10 del Top 40 de Billboard en 1966. 

THE DOORS

La mejor de todas. Esta versión fue lanzada póstumamente en el disco "Alive She Cried" (1983) y es quizás la que más se aproxima al espíritu del tema primigenio. Con el perdón del señor Van Morrison, me atrevo a decir que The Doors mejoró el original y lo popularizó con más fuerza, pues se amoldaba perfectamente a la temática sexual y de confrontación que caracterizaba a las composiciones de Jim. 

PATTI SMITH

Fiel a su estilo, la poetisa del punk se atrevió a reescribir el tema con la intención de transformarlo en un himno del lesbianismo en el álbum "Horses", de 1979. ¿El resultado? Una versión tan personal que por momentos da la sensación de estar escuchando otra canción. A pesar de las múltiples versiones de "Gloria" grabadas hasta ese entonces -y que no hemos consignado en este post-, Patti demostró que el tema daba para más y que era posible inyectarle nueva sangre. Qué más se puede esperar de un prodigio. 

"Pink Moon", la suave e intimista acústica de Nick Drake

Cuenta la historia que Peter Buck, en ese entonces guitarrista de R.E.M., preguntó al productor John Wood qué había hecho para crear ese sonido tan íntimo en "Pink Moon" (1972), tercera placa del cantautor británico Nick Drake. Wood no tuvo que cavilar mucho y contestó que Drake se había limitado a sentarse ante un micrófono y ponerse a tocar...nada más. La atmósfera que se puede oír en el disco es fruto del "poder desnudo de la guitarra de Nick y su voz cautivadora, llena de matices trémulos", agregó.

Y sí, suscribo lo dicho por Wood. "Pink Moon" es inquietante de principio a fin. Un disco lleno de fragilidad y aflicción que transmite una extraña paz desencantada y el fiel reflejo de un corazón hendido en el pecho de un artista honesto hasta su muerte. En lo personal, la canción que da título del disco y "Parasite" son de lo mejor de un álbum que muchos han calificado sonoramente como de un "barroquismo melódico". Su alegórica portada dice mucho sobre la esencia de cada uno de los temas, algo que el artista Michael Trevitchick -novio de Grabielle, hermana de Drake-, supo descifrar y plasmar en un cuadro con cercanas alusiones a Dalí.

Drake fue un músico en constante lucha contra la depresión y el insomnio a lo largo de su vida. Durante la época en que escribió, grabó y lanzó este disco se encontraba en un estado anímico calamitoso. Se dice que cuando se presentó en las oficinas de la discográfica lo hizo con un rictus impasible y se limitó a entregarle a una secretaria las cintas grabadas y se marchó. Fue lo último que hizo ya que tiempo después dejó de tocar y grabar y se fue a vivir a casa de sus padres en Warwickshire hasta que murió en 1974 a la edad de 26 años.

"Pink Moon" es un álbum que el productor Joe Boyd definió ingeniosamente como: "un disco de tranquila desesperación, el sonido de alguien que pende de un hilo". Curiosamente, la última pista ("From The Morning") suena más optimista que las demás, aunque -ironías de la vida- contiene la frase que sirvió de epitafio en la tumba del talentoso Drake: "and now we rise, and we are everyewhere" (y ahora nos levantamos, y estamos en todas partes). Y en todas partes y momentos recordamos el talento de un artista infinito pero en constante cuestionamiento de sí mismo.

 

"In-A-Gadda-Da-Vida", 17 minutos de convulsionado acid rock

Y pensar que alguna vez "The House of Rising Sun", ese genial himno al infortunio de The Animals, ostentó una plusmarca gracias a sus inusuales 5 minutos de duración, en una época en la cual el promedio de los temas llegaba a 3 minutos y tantos segundos. Otros que también pugnaron por obtener la presea de la grabación más larga fueron Bob Dylan, con su espléndida "Like a Rolling Stone", y los mismos Rolling Stones con el épica "Goin' Home", de su disco “Aftermath”, de 1966.

Iron Butterfly, una banda de los suburbios de Los Ángeles, entraría con fuerza en la competición y dispuesta a darle pelea a cualquier gigante que se le pusiera al frente. En su segundo álbum, lanzado en julio de 1968, dedicó una cara entera a una canción que rompería todos los esquemas y destronaría al maestro Dylan con su single de 11 minutos y 23 segundos "Sad Eyed Lady Of The Lowlands". El tema fue bautizado como "In-A-Gadda-Da-Vida", título que a simple lectura no significa nada y que más bien motiva a pensar en él como una de esas frases subliminales -con invocación al demonio incluida-, que tanto escozor causa en fanáticos religiosos y ultraconservadores.

Acerca del nombre de la canción, de acuerdo a la versión tomada del cuadernillo del CD de recopilación de Iron Butterfly, el baterista Ron Bushy cuenta que estaba escuchando el tema con un casco puesto, lo que le impidió oír correctamente su nombre y tergiversó la respuesta que Doug Ingle le dio cuando le preguntó por el título. La otra explicación dice que Ingle se encontraba en un estado de embriaguez tan fatal -se había tomado un galón de vino Red Mountain- que canturreó mal "In The Garden Of Eden" y se entendió como "In-A-Gadda-Da-Vida".

Con una letra tan simple que solo se escucha al principio y al final, y unos riffs convulsivos de guitarra y bajo que se entrecruzan con alaridos y gruñidos a media voz, "In-A-Gadda-Da-Vida" se deja escuchar como un interminable viaje místico a través de rutas sinuosas. La historia dice que Iron Butterfly no logró trascender con la misma magnitud con ningún otro sencillo, pero sus 17 minutos bastaron para posicionarlo como una banda pionera de las canciones “sin fin”, algo que en lo personal extraño mucho de los grupos de rock de hoy.

Mis 10 canciones de protesta favoritas

En más de medio siglo de vida el rock no solo ha movido el esqueleto de las masas sino también revoloteado las masas encefálicas y abierto los sentidos hacia el caos mundano que muchas veces negamos reconocer. En ese sentido, hay canciones para todos los gustos: contra la esquizofrénica guerra, el abuso de poder, el fascismo malsano, la educación que no educa, la politiquería barata y corrupta, el abuso infantil, el racismo…y tantas otras cuya inspiración ha surgido de las alcantarillas del diario vivir. Y es que, como reza la letra de ese inmortal tango: “el mundo es y seguirá siendo una porquería”. 

La siguiente es una lista muy personal de 10 temas que en su momento sacaron roncha a los sectores dados al silencio cómplice de la impunidad. ¿Sirvieron para mejorar el mundo o éste sigue igual o peor? Posiblemente todo sea la misma mierda que hace 1.000 años, pero ahí están las canciones; listas para escucharse, disfrutar y gritar a voz en cuello. 

FORTUNATE SON (Credence Clearwater Revival - 1969)
Muy popular durante la guerra de Vietnam. Inspirada en David Eisenhower, nieto del presidente norteamericano Dwight Eisenhower, y casado con Julie Nixon, hija del otro presidente Richard Nixon. "¿Tú crees que esta gente se vaya a involucrar en la guerra?", le dijo John Fogerty a Rolling Stone, aludiendo a la suerte que corren David y otros jóvenes de escapar de ir a la guerra por ser "hijo de papá".

THE TIMES THEY ARE A-CHANGIN' (Bob Dylan - 1964)
El álbum homónimo trae canciones con historias rabiosas y de escasos arreglos que hablan sobre racismo, pobreza y los cambios sociales. The Times They Are A-Changin' captura el espíritu de agitación política y social que caracterizó a los sesenta.

FOR WHAT IT'S WORTH (Buffalo Springfield - 1966)
Otro icono de los sesenta. Aborda las movilizaciones de gente que hubo durante este periodo, pidiendo cambios políticos por todo el mundo, entre las que destacaban las grandes manifestaciones que hubo en Estados Unidos contra la Guerra de Vietnam. Stephen Stills contó que en un inicio escribió la canción en respuesta por la escalada de los disturbios que hubo por el cierre de un club de Sunset Strip en West Hollywood, California, pero a partir de ahí derivó en un himno de protesta.

ANOTHER BRICK IN THE WALL PART 2 (Pink Floyd -1979)
La más famosa de las tres partes que se incluyeron en el histórico “The Wall”. Su letra enfila contra las estrictas normas que se imponían en las escuelas e internados en la década del cincuenta. "We don't need no education" ("No necesitamos ninguna educación") es la frase que Roger Waters acuñó para expresar su odio a sus profesores del colegio que estaban más preocupados en mantener la disciplina en lugar de transmitir conocimientos.

HELL IS FOR THE CHILDREN (Pat Benatar - 1980)
Luego de “Hit me with your best shot”, la polaca-irlandesa-norteamericana Pat Benatar promocionó este single de título controvertido que parece explotar en la cara, sin embargo, se trata de una canción que busca hacer reflexionar sobre el problema del abuso infantil en el mundo entero. Benatar tomó lápiz y papel luego de haber leído un artículo en el New York Times sobre este flagelo que afecta a millones de niños en la tierra del Tío Sam.

YOURS IS NO DISGRACE (Yes - 1971)
Pieza del inconmensurable “The Yes álbum”, disco que incluía joyas como “Starship Trooper”, “Clap” y "I've Seen All Good People". La letra va directo a la yugular de la esquizofrenia bélica y el dilema de los jóvenes que se ven envueltos en ella (sin querer). Así lo dijo el mismo Jon Anderson: “Era la época de la guerra del Vietnam y los chicos tenían que ir allá para luchar, y no era su culpa tener que pelear. Tenían que darlo todo al máximo o correr el riesgo de ser asesinados. Y eso fue lo que me afectó, que matar no fuera una vergüenza, a pesar de que en los sentimientos más profundos del hombre la cosa más cruel, degradante y abismal sea matar a otro”.

SCHOOL'S OUT (Alice Cooper)
La bruja Alice Cooper reveló que para escribir la canción se inspiró en la pregunta, "¿Cuáles son los tres minutos más grandiosos de tu vida?", a lo que él mismo respondió: “Hay dos sucesos durante el año. Uno es la mañana de Navidad, cuando estás listo para abrir tus regalos. El factor avaricia está presente. El otro son los últimos tres minutos del último día de clases, cuando estás sentado y sientes como una mecha encendida a punto de explotar. Entonces dije, ‘Si podemos transformar estos tres minutos en una canción, sería grandioso’”. Luego agregaría: “¿Cuál es la diferencia entre estar encerrado en una escuela que en una cárcel”. Y es que Alice, cuando todavía era llamado Vincent, fue expulsado del colegio unas 8 veces en 64 días. Toda una joya.  

CALIFORNIA UBER ALLER (Dead Kennedys)
Feroz crítica al entonces gobernador ultra conservador de California Jerry Brown. El título hace referencia a la canción patriótica alemana "Das Lied der Deutschen", que fue adoptada como expresión de superioridad racial durante la Alemania Nazi. Al momento de su lanzamiento “California Über Alles” se convirtió en una expresión muy usada por los jóvenes californianos de extrema derecha, lo que acarrea problemas al grupo al ser tildados de fascistas. Sus conciertos son vigilados por fuerzas policiales, pero su popularidad se dispara dentro y fuera de Estados Unidos de América, llegando a ser disco de oro en el Reino Unido.

CLAMPDOWN (The Clash)
Como casi todo lo que legó The Clash, "Clampdown" no podía excluirse del tinte contestatario que caracterizó a toda su obra musical. El tema habla sobre aquellos que abandonan el idealismo y la ilusión de la juventud, e insta a los jóvenes para luchar contra el sistema y el status quo.

PEOPLE HAVE THE POWER (Patti Smith)
Durante la mayor parte de los ochenta, la poetisa del punk se mantuvo oculta de la escena musical para estar al tanto de su familia en St. Clair Shores al norte de Detroit. En junio de 1988 quiso reverdecer viejos laureles y editó el álbum “Dream of Life”, que incluye esta bonita canción que la confirmó como una de las abanderadas del movimiento contra el poder del gobierno en Estados Unidos.

La noche que Buenos Aires se rindió ante Queen

En febrero de 1981, Queen pisó suelo sudamericano por primera vez en el marco de su tour “The Game”, que en esta parte del mundo llevó por nombre “South America Bites The Dust”. Las afortunadas ciudades en donde “La Reina” ofrecería lo mejor de su repertorio fueron Buenos Aires (3 fechas), Mar del Plata y Rosario, en Argentina, y Sao Paulo (2 fechas) en Brasil.

Lo ocurrido en Argentina fue espeluznante, algo nunca antes vivido en el país. Según las crónicas de los medios argentinos de ese entonces, el hábito del público local hacia este tipo de megashows se hallaba aún en estado incipiente. Pero ese 28 de febrero en el estadio del club Vélez Sarsfield se juntaron unas 63 mil almas que gritaron, vibraron y fueron afortunados protagonistas del espectacular despliegue de una banda que se hallaba en el mejor momento de aceptación masiva en todo el planeta.

En efecto, Queen arribó al país de Borges estando en la cúspide de su popularidad. Si bien el grupo hacía diez años que permanecía al tope de los charts británicos y el resto de Europa, recién pudo trasponer las puertas de EE.UU. a partir de los temas "Crazy little thing called love" y "Another one bites the dust", ambos incluidos en "The Game", un álbum ‘hitero’ por excelencia cuyos tracks las radios no cesaban de tocar día y noche.

Cuentan que las negociaciones entre Alfredo Capalbo (empresario argentino) y uno de los mánagers de la banda, Paul Prenter, comenzaron un par de meses antes del concierto. Una de las cláusulas exigía que las presentaciones deberían ser del mismo calibre que las realizadas en Estados Unidos y Europa. Inclusive, un tropel de técnicos e ingenieros británicos llegó a Sudamérica con el fin examinar posibles escenarios para los espectaculares números de Mercury y compañía. Como buenos británicos, ni un cabo debía quedar suelto.

Una vez llegado a un acuerdo, trasladar todo el aparataje empleado en el escenario requirió de tres aviones y dos barcos, más otro avión que llevó los generadores eléctricos.

Fue tanta la repercusión de la gira sudamericana de Queen, que la prestigiosa revista británica Melody Maker dedicó dos espectaculares páginas a la actuación de la banda en Argentina. Los ingleses elogiaron la calidez del público che, la organización del show y celebraron la apertura de un gran mercado para el rock internacional –como lo es ahora. La presencia de "La Reina" ayudó a cambiarle la cara a la industria de los espectáculos rockeros en ese país. La prensa, los músicos argentinos y, por supuesto, el público, también resultaron ganadores.

Como dato curioso habría que mencionar que una banda liderada por un viejo conocido nuestro debutó en la escena platense como telonero de los dos conciertos de Queen en Buenos Aires: ZAS, con Miguel Mateos a la cabeza, cuya aplaudida performance les abriría posteriormente muchas puertas.

Un dato que llamo la atención de los periodistas, técnicos y los mismos organizadores fue ver a cada uno de los integrantes del grupo chequear el sonido de manera individual. Luego de unos minutos todos se juntaban en el escenario y tocaban brevemente cada canción. Testigos de la época sostienen que los únicos miembros del cuarteto que guardaban una estrecha relación más allá del escenario eran Roger Taylor y Brian May. Freddie y John Deacon atendían cada uno su vida, aunque tampoco se percibía distanciamiento en ellos, todo era cuestión de profesionalismo. "Queen es un grupo musical, y no una familia. Cada uno se maneja a su gusto", respondió tajante Freddie a un periodista argentino. 

Pero no todo resultó 20 puntos en la gira. En una crónica publicada en la edición 143 de la revista especializada Pelo se señala que el concierto en Mar del Plata fue el menos favorable de todos. "El grupo estuvo muy nervioso ante los evidentes problemas de seguridad y además debieron soportar inconvenientes arriba y abajo del escenario. Brian May tuyo su noche negra: primero rompió una cuerda de su guitarra, y cuando la cambió comprobó que la otra tampoco funcionaba bien. Terminó por renunciar a su solo".

Hay muchas cosas más que contar sobre la estadía de Queen en Sudamérica, como la presencia de un joven astro del fútbol Diego Armando Maradona en el escenario de Vélez Sarsfield, pero eso será motivo de otro capítulo. Te dejo con la versión completa de la segunda función de "La Reina" que abarrotó las instalaciones del estadio del Vélez Sarsfield (José Amalfitani) y que fue transmitida por Canal 9 de Buenos Aires. Para ahorcarse de la envidia, carajo!

Setlist:

1- We Will Rock You (fast)

2- Let Me Entertain You

3- Play The Game

4- Somebody To Love

5- I'm In Love With My Car

6- Get Down Make Love

7- Need Your Loving Tonight

8- Save Me

9- Now I'm Here

10- Dragon Attack

11- Now I'm Here (reprise)

12- Fat Bottomed Girls

13- Love Of My Life

14- Keep Yourself Alive

15- drum/guitar solos

16- Flash

17- The Hero

18- Crazy Little Thing Called Love

19- Bohemian Rhapsody

20- Tie Your Mother Down

21- Another One Bites The Dust

22- Sheer Heart Attack

23- We Will Rock You

24- We Are The Champions

25- God Save The Queen

Van Halen (con David Lee Roth) y su nueva canción...28 años después

Por ahora todo marcha bien. Pero igual, por las dudas, roguemos para que Eddie Van Halen y David Lee Roth conserven esa buena voluntad para soportarse y quizás concretar una gira por estos pagos, que hace rato se les espera. La banda de Pasadena, California, nos presenta ahora su nuevo sencillo "Tatoo", el primero con Roth desde aquel lejanísimo "1984"...28 años después, nada menos. "A different Kind of Truth" se llama el nuevo álbum del grupo y saldrá a la venta el próximo 7 de febrero. Aquí te dejo con el video del tema, el cual después de verlo y escucharlo, me han entrado muchas más ganas de oír el material clásico que los encumbró como una de las bandas más grandes del hard rock de todos los tiempos. De todas formas, tendré un poco  más de paciencia para aguardar y oír lo qué nos trae su nuevo disco. 

3 acontecimientos clave en la carrera musical de Jimmy Page

JIMMY PAGE SE UNE A YARDBIRDS...COMO BAJISTA
Cuenta la historia que luego del alejamiento del bajista de The Yardbirds Paul Samwell, en la primavera de 1966, el resto de integrantes se abocó a la búsqueda de un sustituto, lugar que ocupó finalmente Jimmy Page.

Para esa época, Jimmy ya ostentaba una bien ganada fama como guitarrista de sesión. Más aún, había dicho 'no' a la primera propuesta de Yardbirds para reemplazar a Eric Clapton, tras la partida de éste en 1965. En aquella ocasión, Page les recomendó a su mejor amigo Jeff Beck, un consumado guitarrista, quien reemplazaría al popular "Slow hand". Si bien en esa ocasión, Page se dio el lujo de rechazar la propuesta, para 1966 había cambiado de opinión y deseaba formar parte del grupo así que él mismo se ofreció como bajista, aunque tiempo después cogería la segunda guitarra.

De esa manera, dos de los mejores guitarristas de las islas británicas unían sus mágicas cuerdas para desatar furibundas descargas de sonidos totalmente distintos a los que producían otras bandas en ese entonces. Tanto furor causó el dúo Beck-Page que el cineasta Michelangelo Antonioni no lo pensó dos veces y los contrató para que tocarán el tema "Stroll On" en su película "Blow Up", en lo que fue una de las actuaciones más incendiarias del celuloide.

A pesar de la magnificencia musical alcanzada por ese monstruo de dos cabezas, algunos críticos no dudaron en poner en tela de juicio su capacidad y atrevimiento. Unas líneas aparecidas en la revista NME apuntaron de manera corrosiva a su desempeño en el escenario: "...extravagante cacofonía...que ahogaba la voz de Keith Reif".

The Yardbirds grabaron un single más antes del despido de Beck: la psicodélica "Happenings Ten Years Time Ago" y su lado B, "Psycho Daisies". Ambas "bestialidades" sonoras fueron un pequeño aperitivo a los destrozos que la potente guitarra de Page provocaría con Led Zeppelin, un par de años después.

CUANDO JIMMY PAGE ARRANCÓ LÁGRIMAS A JEFF BECK
Muchos críticos atribuyen a Jeff Beck la invención del heavy metal. Su principal argumento es la grabación a altos decibelios que hizo su banda, Jeff Beck Group, del tema "You Shook Me", que incluyó en su álbum debut "Truth".

Pero algo que Beck no esperó nunca y que -según él mismo contó- le causó gritos de furia y peleas con la pared fue la versión zeppeliana de "You Shook Me", que vino con un sonido que superaba en intensidad y garra al de Beck. Jeff confesó que tras escuchar la guitarra de Page "derramó lágrimas de rabia". "Lo miré a Jimmy y le dije 'Jim...¿qué?' Y derramé lágrimas de rabia. Pensé, 'me está tomando el pelo, no puede ser'. Es que, aún esta 'Thuth' dando vueltas en todos los tocadiscos...Luego me di cuenta de que iba en serio".

Por un tiempo, Beck insistió en que Page le había robado su sonido. Por el otro lado, Jimmy clamaba su inocencia diciendo que se trató de un accidente curioso. Con el tiempo, Jeff reconoció que nunca habría podido desarrollar el nuevo género con la misma astucia puesta por Page, Plant, Jones y Bonham.

EL NACIMIENTO DE STAIRWAY TO HEAVEN
Empecemos por el final: "Stairway to Heaven" es la canción del rock más popular que se haya grabado en la historia de este género. Este galardón duplica su valor por el hecho de que nunca se publicó como single y, por lo tanto, evitó ser manoseado por la exposición pública masiva.

Ahora retrocedamos. Para finales de 1970, Led Zeppelin había lanzado tres álbumes de rock duro aunque siempre matizados con brochazos de folk. Al fecundar su cuarto larga duración -con la emblemática portada del hombre cargando leña-, no sabían que uno de los surcos se convertiría en el buque insignia del grupo.

"Stairway to Heaven" fue creada por Page y Plant en Headley Grange, una mansión de estilo victoriano con buena acústica situada en la ciudad inglesa de Hampshire, bajo la influencia del libro de Lewis Spence "Magic Arts In Celtic Britain" (Artes Mágicas en  la Gran Bretaña Céltica). Plant relató años después cómo se gestó el tema: "Yo estaba sentado con Page en frente del fuego en Headley Grange. Page había compuesto algunas notas y entonces las tocó para mí. Tenía lápiz y papel y por alguna razón me sentía de muy mal humor. Entonces de repente mi mano comenzó a escribir las palabras. Solo me senté ahí y observé las letras, y cuando las oí casi salté de mi asiento".

La lírica meditada de Plant supo conjugarse con la melodía en La menor de Page hasta dar con  una canción de ocho minutos espectaculares por su variedad musical y atmósfera. Eso fue todo, el resto es historia.

Los 77 del Rey del Rock, Elvis Presley

Pocos artistas han provocado una devoción tan duradera como Elvis Presley. Años después de su muerte, sus discos siguen vendiéndose por millones y su imagen se reconoce al instante en cualquier rincón del planeta. Elvis, sin duda, es un auténtico héroe americano. Él mismo lo dijo en una ocasión: "De pequeño soñaba que era el héroe en los cómics y las películas. Crecí creyendo en un sueño. Ahora, lo he vivido. Nadie puede pedir más". Y vaya que vivió, a su manera, pero nadie duda que dejó huella en la música contemporánea. Hoy, 8 de enero, el Rey del Rock cumpliría 77 años de edad....larga vida al Rey!!

Elvis nació en Tupelo, Misisipi, el 8 de enero de 1935 en el seno de una familia muy pobre, sin posibilidades de contar con asistencia médica. A la edad de 13 años, se mudó junto con su familia a Memphis, Tennessee, donde en 1954 comenzó su carrera artística cuando el dueño de Sun Records, Sam Phillips, vio en él la manera de expandir la música afroamericana.

Elvis firmó un contrato con el sello RCA a finales de 1955 y, al año siguiente, lanzó lo que sería su éxito "Heartbreak hotel". La canción alcanzó el número 1 en las listas y tuvo tanta acogida que a mediados de 1956 Presley generaba la mitad de los ingresos de la RCA.  

Sus movimientos de cadera desataban frenesí en el público, que gritaba y reía al mismo tiempo. Durante su segunda aparición en The Milton Berle Show, Elvis provocó una gran polémica. Durante el programa cantó "Hound Dog" por primera vez en televisión, y aunque se trataba de una canción nueva, cautivó a la multitud con su baile imparable. En la parte final ralentizó el compás y empezó a contornear las caderas, al ritmo de la música de forma más sugerente que nunca. Elvis había conquistado a millones de telespectadores que jamás olvidaron la memorable actuación, aunque muchos críticos lo censuraron. Jack O' Brian, del New York Journal- American, dijo: "...un despliegue de movimiento físico primitivo difícil de describir en términos adecuados para un periódico familiar".

Elvis Presley al lado de la actriz Debra Paget, en una fotografía de su primera película, "Ámame Tiernamente", cuyo rodaje comenzó en agosto de 1956. El cantante interpretó el papel de Clint Reno, hijo menor de una familia de granjeros que se casa con la novia de su hermano mayor, al que todo el mundo da por muerto en combate. Cuanto éste regresa, la familia queda dividida, y Clint muere en una pelea defendiendo a su hermano. Como era de esperarse y para alivio de sus fanáticos, Elvis aparece al final durante los créditos cantando el tema central del mismo nombre.

El 4 de diciembre de 1956 se produjo un acontecimiento histórico cuando en una sesión improvisada en la sede de la compañía Sun Records, Elvis Presley, Carl Perkins, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis graban varios temas juntos. La célebre fotografía fue bautizada como Million Dollar Quartet ("El cuarteto del millón de dólares"), aunque la grabación recién vería la luz pública décadas después.

En el número de baile de la canción principal de la película "Jailhouse Rock", un grupo de bailarines profesionales acompañó a Elvis. El coreógrafo Alex Romero observó los movimientos naturales del artista y convirtió sus pasos en una coreografía. Durante el rodaje Elvis se hizo amigo del bailarín profesional Russ Tamblyn, quien le dio algunos consejos para perfeccionar su baile. 

Elvis se incorporó al Ejército de Estados Unidos en marzo de 1958. Realizó la instrucción básica en Fort Hood, Texas, y luego fue enviado a Alemania. Miles de fans lo recibieron cuando el barco atracó en Bremenhaven. Durante los dos años de servicio militar lo ascendieron en dos ocasiones hasta licenciarse con el rango de sargento. Eran tiempos en que había empezado a tomar anfetaminas para mantenerse despierto durante las maniobras nocturnas pero sobre todo para controlar su peso, pues siempre fue aficionado a la comida "chatarra". 

El 1 de mayo de 1967, Elvis y Priscilia Beaulieu -hijastra de un oficial del Ejército estadounidense a quien había conocido en Alemania durante su servicio militar- contrajeron matrimonio ante el juez del Tribunal Supremo de Nevada David Zenoff, en una ceremonia íntima celebrada en una suite de estilo Tudor del hotel Aladdin de Las Vegas. 

Tocando la guitarra en la sala de su mansión en Graceland. Elvis compró la enorme vivienda en marzo de 1957, donde vivió con varios miembros de la "mafia de Memphis" (así se le denominaba al grupo de amigos y allegados al cantante), músicos de su banda, cantantes del coro y artistas diversas. 

La única hija de Elvis y Priscilia, Lisa Marie, nació el 1 de febrero de 1968, durante una etapa en la que el cantante comenzaba a sentirse extremadamente infeliz con su carrera. A finales de junio de ese año, Elvis grabó un especial para la NBC, en donde lo convencen de vestir un traje de cuero negro y volver a sus orígenes musicales. El programa lo mostró cantando con una banda frente a una pequeña audiencia, convirtiéndose en las primeras actuaciones en vivo del artista desde 1961. El show, que pasó a ser el más visto de NBC en esa temporada, logró atraer a un 42% del total de la audiencia.

Después de conocer que el actor de doblaje Paul Frees trabajaba como agente secreto de narcóticos y que poseía la placa Oficial de Narcóticos y Drogas Peligrosas, Elvis se propuso conseguir una placa igual. Al no lograr su objetivo en la referida oficina, ofreció sus servicios al entonces presidente de EE.UU. Richard Nixon, quien no solo lo invitó a la Casa Blanca sino que además le entregó la ansiada placa. La foto lo muestra mientras posa para las cámaras del F.B.I.

En enero de 1973 se emitió el especial televisivo "Elvis: Aloha from Hawai" en 40 países, vía satélite. Su mánager dispuso que se grabase para retransmitirlo en otros 28 países un día después. Elvis salió de su escondite para la ocasión e interpretó canciones inéditas. Se le veía en forma y su éxito fue espectacular. Un año antes, en julio de 1972, se había oficializado su separación de Priscilia.

El mundo quedó impactado ante la noticia de la muerte de Elvis Presley. Su novia Ginder encontró su cuerpo en el cuarto de baño de Graceland el 16 de agosto de 1977. Desde el principio, las causas de la muerte fueron confusas, pues el médico forense del condado de Shelby anunció que se debía a problemas cardíacos antes de completar la autopsia, que posteriormente que la causa real había sido la ingestión de medicamentos. El Rey murió pero nació la leyenda.