lunes, 23 de julio de 2012

Led Zeppelin I: ¿El mejor debut de la historia del rock?





El sábado que pasó se celebraron las bodas de plata del “Apetite for Destruction” de Guns N’ Roses. Haciendo un rápido recuento de las opiniones vertidas en redes y foros, una gran mayoría catalogaba al “Apetite...” como el mejor disco debut de la historia del rock and roll. Confieso que en un momento casi sucumbo y le doy la razón a ese puñado de gente que sentenció con tamaño calificativo, pero transcurridos algunos minutos de euforia, por los recuerdos de mi emborrachante adolescencia al recordar “Welcome to the jungle” o “Paradise City”, me vinieron a la mente otros grandes títulos que también dieron que hablar en el momento de su nacimiento.

Es el caso, por citar solamente uno, del disco homónimo de Led Zeppelin; parido un 12 de enero de 1969 y que meses más tarde, un 23 de julio, obtendría el certificado de Oro por sus altas ventas. Como aquí no solo hablamos de cantidad sino también de calidad, diremos que esta placa ha quedado en la historia por ser una de las más influyentes de la música, pues introdujo novedosos conceptos y ayudó a crear una tendencia en el género rockandrollero.

Con este vinilo Led Zeppelin marcó el destino del rock de los años setenta merced a la combinación de rock and roll con blues, folk y R&B. El estilo revolucionario de cantar de Robert Plant, adoptado por generaciones posteriores de vocalistas, los riffs entre limpios y explosivos de Jimmy Page, el bajo alocadamente poderoso de John Paul Jones y el estilo “disciplinado pero suelto” del legendario “Bonzo” Bonham, hicieron perfecto a este disco en todas sus líneas.

Por suerte, la banda no se durmió en sus laureles y con los años fue adquiriendo una sólida madurez que se evidenció en sus siguientes lanzamientos, pero este gran primer paso significó el nacimiento de una inspiradora rama del rock, mérito que pocas agrupaciones o solistas han conseguido en los casi 55 años de rock viviente. Es casi imposible calificar a un solo disco como el mejor debut de la historia -a no ser que te convenzan del todo las sospechosas encuestas-; si piensas en uno, a continuación sale otro y de ahí otro, sin embargo, este clásico con la portada del dirigible en llamas figura dentro de mis top 5 de debutantes favoritos.

“Nos pusimos manos a la obra y grabamos exactamente lo que teníamos en mente en ese momento” (Jimmy Page, 1999, sobre Led Zeppelin I)



sábado, 21 de enero de 2012

Los Beatles y otros homenajes del rock & pop a "Bésame Mucho"


A los 16 años y sin haber dado un beso aún (estamos en 1940), la mexicana Consuelo Velásquez escribió una romántica canción a la que tituló "Bésame mucho" cuya apasionada letra le ha permitido traspasar las fronteras del tiempo, el idioma y los géneros musicales.

El primero en grabarla fue el actor Emilio Tuero, en 1941, y su éxito fue tan arrollador que a partir de entonces un vendaval de artistas la han versionaron a su particular modo. Muy cerca de la tierra de Pancho Villa, al otro lado del Río Grande, el compositor y cantante norteamericano Sunny Skylar tradujo “Bésame mucho” al inglés, pero tuvo la genial idea de mantener el título en castellano.

A finales de 1943, el clarinetista y prestigioso líder de big bands Jimmy Dorsey amoldó la canción a su estilo y la llevó al número uno en las listas de Estados Unidos. Fue tal la batahola provocada por “Bésame Mucho” en la tierra del Tío Sam que muchas damas la adoptaron como su himno de amor, mientras esperaban ansiosamente que sus maridos regresaran de los campos de batalla durante la Segunda Guerra Mundial.

De ahí en adelante, solistas y bandas de todos los géneros y ritmos hicieron sus propias versiones, unas con más fortuna que otras. Andy Rusell grabó la canción al lado de la orquesta de George Siravo, logrando vender más de un millón de copias.  Xavier Cougat, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Ray Conniff y, más cercanos a estos tiempos, Diana Krall y Richard Clayderman, entre otros, también la hicieron suya.

Para no alejarnos del propósito de este blog, el rock, diremos que uno de los covers más sonados de "Bésame mucho" -y más lucrativos, dicho sea de paso- es el interpretado por los Beatles y que fue incluido en el "Anthology 1" (1995). Lo anecdótico es que los Fab Four la grabaron por primera vez en 1962 con el propósito de impresionar al sello discográfico Decca, pero fracasaron en su intento. La tocarían nuevamente en la audición para los estudios EMI (cuando finalmente ganaron el contrato de grabación) el 6 de junio de 1962. Años después, en 1969, la cantarían en el estudio de Apple y finalmente publicada en el film documental "Let it be".

Quién hubiera pensado que como producto de las alucinaciones románticas de una jovencita saldría uno los temas de amor más populares de todos los tiempos. Por algo, en 1999, “Bésame mucho” fue reconocida como la canción en idioma español más cantada y más grabada, fuera de los villancicos y canciones de cumpleaños.

A continuación te dejo con algunas versiones en clave rock y pop de este histórico tema.




The Beatles




Duncan Dhu




The Ventures (Haz click en la imagen y escucha la canción)




The Flamingos




Chris Isaak




The Rasmus




Los Pasteles Verdes





The Coasters





Zoé



BONUS TRACK

Fast Ball (incluyo a "The Way" debido a la similitud que tiene con la melodía del tema original de Consuelo Velázquez)




viernes, 20 de enero de 2012

Un vistazo al New Wave a través de 30 pintorescas tapas de discos


Oh, No! It's Devo – Devo (1982)



In the Garden – Eurythmics (1981)


Mad About the Wrong Boy - The Attractions (1980) 


Playing With a Different Sex - Au Pairs (1981)


Mask - Bauhaus (1981)


Happy Families  Blancmange (1982)


See Jungle! See Jungle! - Bow Wow Wow (1981)


Special Beat Service - The English Beat (1982)


Beauty and the Beat - Go-Go's (1981)


Cut - Golden Earring (1982)


Lord Upminster - Ian Dury (1981)


I'm the Man - Joe Jackson  (1979)


Doopelganger - Kid Creole and the Coconuts (1983)  


Metro Music - Martha and the Muffins (1980)


My Perfect Cousin (single) - The Undertones (1980) 


Pure Pop For Now People - Nick Lowe (1978) 


Hammer on a Drum - Payolas (1983)


Peter Gabriel II - Peter Gabriel (1978)


Nuclear Device (The Wizard of Aus) (single) - The Stranglers (1979)


Of Skins and Heart - The Church (1981)



The Sound of Sunbathing - The Sinceros (1970)


Three Imaginary Boys - The Cure (1979)


Motels - The Motels (1979)


New Clear Days - The Vapors (1980)


I Could Rule the World If I Could Only Get the Parts - Waitresses (1982)


Tin Drum - Japan (1981)


Over my Head - Toni Basil (1983)


Signing Off - UB40 (1980)


Born To Laugh Tornadoes  - Was (Not Was) (1983)


Go 2 - XTC (1978)

miércoles, 18 de enero de 2012

Una canción original y tres versiones para una sola dama: "Gloria"



VAN MORRISON
El multinstrumentista y compositor irlandés la compuso y moldeó a su gusto cuando formaba parte del grupo de R&B Belfast Them. La influencia del blues se percibe desde su inicio pausado y a medida que transcurre el tema en tanto va experimentando una aceleración progresiva. El histórico fraseo de guitarra le imprimió a la canción un carácter sexual que nunca pasó desapercibido en las versiones posteriores, por supuesto que cada uno en su particular estilo. Dato a tener en cuenta: la versión de Them ocupó la cara B en el Reino Unido, mientras que en Estados Unidos se convirtió en el tema fetiche de los grupos de garage como por ejemplo The Gants, que fue una de los primeras en coverearla.







THE SHADOWS OF KNIGHT
De los suburbios de Chicago surgió esta banda cuyo estilo evidenciaba ventarrones de blues británico. Sin embargo, en mi opinión, el resultado no me convence del todo en relación al tema original, aunque al grupo no le fue del todo mal pues logró posicionarse en el número 10 del Top 40 de Billboard en 1966. 














THE DOORS
La mejor de todas. Esta versión fue lanzada póstumamente en el disco "Alive She Cried" (1983) y es quizás la que más se aproxima al espíritu del tema primigenio. Con el perdón del señor Van Morrison, me atrevo a decir que The Doors mejoró el original y lo popularizó con más fuerza, pues se amoldaba perfectamente a la temática sexual y de confrontación que caracterizaba a las composiciones de Jim. 













PATTI SMITH
Fiel a su estilo, la poetisa del punk se atrevió a reescribir el tema con la intención de transformarlo en un himno del lesbianismo en el álbum "Horses", de 1979. ¿El resultado? Una versión tan personal que por momentos da la sensación de estar escuchando otra canción. A pesar de las múltiples versiones de "Gloria" grabadas hasta ese entonces -y que no hemos consignado en este post-, Patti demostró que el tema daba para más y que era posible inyectarle nueva sangre. Qué más se puede esperar de un prodigio. 









martes, 17 de enero de 2012

"Pink Moon", la suave e intimista acústica de Nick Drake



Cuenta la historia que Peter Buck, en ese entonces guitarrista de R.E.M., preguntó al productor John Wood qué había hecho para crear ese sonido tan íntimo en "Pink Moon" (1972), tercera placa del cantautor británico Nick Drake. Wood no tuvo que cavilar mucho y contestó que Drake se había limitado a sentarse ante un micrófono y ponerse a tocar...nada más. La atmósfera que se puede oír en el disco es fruto del "poder desnudo de la guitarra de Nick y su voz cautivadora, llena de matices trémulos", agregó.

Y sí, suscribo lo dicho por Wood. "Pink Moon" es inquietante de principio a fin. Un disco lleno de fragilidad y aflicción que transmite una extraña paz desencantada y el fiel reflejo de un corazón hendido en el pecho de un artista honesto hasta su muerte. En lo personal, la canción que da título del disco y "Parasite" son de lo mejor de un álbum que muchos han calificado sonoramente como de un "barroquismo melódico". Su alegórica portada dice mucho sobre la esencia de cada uno de los temas, algo que el artista Michael Trevitchick -novio de Grabielle, hermana de Drake-, supo descifrar y plasmar en un cuadro con cercanas alusiones a Dalí.


Drake fue un músico en constante lucha contra la depresión y el insomnio a lo largo de su vida. Durante la época en que escribió, grabó y lanzó este disco se encontraba en un estado anímico calamitoso. Se dice que cuando se presentó en las oficinas de la discográfica lo hizo con un rictus impasible y se limitó a entregarle a una secretaria las cintas grabadas y se marchó. Fue lo último que hizo ya que tiempo después dejó de tocar y grabar y se fue a vivir a casa de sus padres en Warwickshire hasta que murió en 1974 a la edad de 26 años.


"Pink Moon" es un álbum que el productor Joe Boyd definió ingeniosamente como: "un disco de tranquila desesperación, el sonido de alguien que pende de un hilo". Curiosamente, la última pista ("From The Morning") suena más optimista que las demás, aunque -ironías de la vida- contiene la frase que sirvió de epitafio en la tumba del talentoso Drake: "and now we rise, and we are everyewhere" (y ahora nos levantamos, y estamos en todas partes). Y en todas partes y momentos recordamos el talento de un artista infinito pero en constante cuestionamiento de sí mismo.